おとといまでの私にわからせるためのブログ

写真のことと、美術のこと、あと好きなことについて。私にわかるように書いてます

目「非常にはっきりとわからない」展を一生懸命努力してよくわかろうとすることの悲しみ

 

千葉市美術館にて、目「非常にはっきりとわからない」展を見てきました。

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閉幕2日前にすべりこんだので、もう展示自体を見ることはできないのですが、自分のために、考えるポイントをまとめておきたいとおもって、書きます。

 

まず、わたしとしては「気に入らない」 のが率直な感想。

とはいえ、面白がり方はあるな、とも思っています。

面白がることができるほうが、ある種、豊かだし幸福である気がするのですが、実際わたしはそうじゃなかった。だから「面白い」と思えたひとたちの考えを想像してインストールしてみようとおもいます。実はわたしは展覧会を「好意的に見る」努力がちょっと好き。

とはいえ、自分の考えたこともやっぱり残していこうとおもいます。悲しかったから。

(※ちなみに、この記事は展覧会を見にいった人向けかも。。。どんな展示だったか知りたい人には向いてないかも?)

 

今回の展覧会が、他の展覧会と大きく異なる点はまず、展覧会自体がひとつの作品である、ということでしたね。

そして、この展覧会の、最初のおどろきは改装中の千葉市美術館の「改装」が、展覧会全体になだれ込んでいるような状態に向けられたものだったのではないでしょうか。

これはこの作品においてごくごく最初の驚きではありますが、これだけでも十分におもしろがることができるかもしれません。

  

以下、この展覧会における気づき★驚き★感動★ポイントを箇条書きにしてみます。

(他にもあるとおもうのでおしえてください……)

 

・美術作品が単なる「モノ」として転がっている状態 

いわゆる美術館の展覧会では、作品は壁にかけられたり台座に置かれるなどして、自律的な価値を持ち、鑑賞者からありがたがられます。ですが、設営の最中では、梱包された状態の作品はぞうきんや、スリッパと同じように単なる「モノ一般」にすぎません。今回の展覧会では、作品をインストールする光景(のパフォーマンス)が用意されており、展示という行為が魔法のように単なる「モノ」を「作品化」するシーンに立ち会うことができます。

展覧会にいくとき、わたしたちはいつも凍結し、固定された、完成したものを見ます。今回の展覧会は自らが他の展覧会とは異なり流動的な状態である、という演技をしている状態でしたよね。

 

・「美術館」という場がすべてを作品化するということ

改装中/設営中の美術館を装う今回の展覧会をみるとき、「展覧会自体」が作品なのだ、と気がつくまでわたしたちは「作品」をさがしてぐるぐると回ります。もしかしてこれが・・・?と思うとそれをながめ、鑑賞します。やがて、この場所全体が作品なのだと認識してからも、「作品らしさ」を探す目線を、会場内にあるすべてのもの(ひと)に送ることになります。このように「美術館」という場にわたしたちの態度がコントロールされちゃうのはちょっとおもしろいことかもしれません。

とはいえ、これって男性用小便器を美術館に作品として展示したデュシャンの『泉』的な発想の転換の周回遅れの焼き直しという気がします。少しも作品とは思えないようなものも「作品」となりえるのが「美術館」の乱暴さであり、そこにあるものが「作品」(という立派なモノ)であるというのは、「美術館」に対して抱かれがちな幻想です。津田大介さんがツイートで述べてたように、この作品にあいトリ騒動に関するアンサーを見るのはこのあたりの手法についてのことではないでしょうか。

 

・7階と8階/同じことと違うことへの気づき

展覧会場となっている7階と8階には、全く同じだ!という部分と、あれはここにあったっけ?というようなズレが用意されています。上記の「作品化」によって、鑑賞者は「違う部分」と「同じ部分」を無意識にも探してしまう。これは単純に「わかる」経験に近いし、「見っけ!」的な快楽がある。あるいは、帰宅中にツイッターで「非常にはっきりとわからない 考察」とググってみたら、あの丸い絵画はXXで、これはXXをあらわしていて・・・」というような投稿とかを見つけましたが、それも「わかる」快楽の探求の一貫でしょう。

目がデュシャンと違うのは、この、超絶技巧的なインスタレーションですよね。わたしは、写真家トーマス・デマンドの作品について、マイケル・フリードが「意思が浸透している」(だったっけ...?)と言ってたのを思い出しました。この場所にあるものには、無意識っぽくそこにあるような雑物にも人間の意思が行き届いているんだ!というマン・パワーへの畏怖を抱くこともできなく・・・ない・・かも・・・。

 

・作品を見る人を見ること

展覧会には作品と思しきものもいくつかあったし、(スケーパーと呼ばれるらしい)搬入スタッフになりきったパフォーマーがいて、展示作品を移動したり、ダンボールなどの備品(に見えるもの)をせーの、で動かしたりしていました。鑑賞者の多くは一生懸命そのひとたちの一挙手一投足を見つめて、そこになにかのほころびやサインがないか見つめていました。あるいは、他の鑑賞者が一生懸命見ていたなにかを見ればなにかわかるかもしれない、とでもいうように、人の群に人が群れるような様子もありました。

わたしはその誰もが、心もとなく、なんらかの「わかる」をもとめているように見えたし、その光景に詐欺まがいの、なにかひどいことをみている気がしてしまいました。だって、「わかりそう」は用意されているけど「わかる」は用意されてないし・・・。

 

・どこまでが人為?という問い

7階と8階の「違う部分」と「同じ部分」や、改装中の施設という外側の状態が展覧会の内容にずるずるずるっとつながっていることなどがもたらす効果として、7階・8階から地上へ降りた時にもこれも「なにかなのか?」と思ってしまう、というのがあったと思います。となると、展覧会を見たまえとあとで、世界の見え方が変わってしまう!というような経験ができるかも。それは、すごく大きくて豊かなオイシイ宿題です。わたしはなにも持ってかれなかった・・・。

 

さて、ちょくちょく自分の話をはさみつつ、「非常にはっきりとわからない」展のおもしろがりポイント(でありながら同時にがっかりポイントにもなりえること)について考えてきました。

 

このように、おもしろがれるポイントがあることを、わたし自身にもいま「わからせた」ところですが、やっぱりわたしはどうしても「気に入らない」の気持ちが消えません。

 

それは、今回の作品が、「美術館制度批判」という戦術(前述したデュシャンが使った戦法)に加え、インスタレーションの超絶技巧を、美術館を批判するというよりは、鑑賞者を突き放し、もてあそぶために使っているような気がするからです。

間違い探しや考察などを誘うような仕掛けをいくつもほどこして、美術館という場において「作品」というものに「意味」や「わかる」を探してしまう鑑賞者を迷子にしてしまう。意味ありげ〜だけど、結局のところ客は、ポスターのなかにあるように、箱のなかでわけもわからずぐるぐるぐるぐるさせられて見下されている気がしてしまいます。

もちろん、「わからない」ことの豊かさを見出すことができるひともいるとは思いますし、そういうタイプの作品もあるけれど、これはちがうんじゃないか。と。

 現に、プレスリリースにも「突き放す」という言葉が含まれるように、「突き放す」が目的でありながら、多くの鑑賞者を「わかる」快楽に誘い込んでアトラクションとしての満足しか与えないのは、ちょっとずるではないのか。と、わたしはおもってしまうのでした。

とはいえわたしも、間違いさがしが好きです。この夏もサイゼの間違いさがしをしたけど、今回、どうも7階と8階を行き来して記憶の限界☆間違い探しチャレンジ!する気にはなれなかったな・・・多分いっぱい行ったり来たりしたほうが「今何階!?」ってなって楽しめたんだろうけどね。。。。やる気出なかったな・・・。

 

千葉市美術館「目 非常にはっきりとわからない [mé]  Obviously, no one can makes heads nor tails.」展は2019年12月28日まででした。

 

2019年の展示納めだったかな!

 

www.gentosha.jp

幻冬舎plusで、現代アートに関する連載やってますので、よかったら見てください!

 

2020年はどんな年になるだろうね!ハム太郎!!!!!

来年もよろしくお願いいたします。ではまた!!!!!

ダイアン・アーバスと、自尊心の筋トレ。

 

ずっと前から好きでフォローしていたライターの長田杏奈(おさ旦那)さん

twitter.com

が今年出された本のタイトルは、『美容は自尊心の筋トレ』と言います。 

美容は自尊心の筋トレ (ele-king books)

美容は自尊心の筋トレ (ele-king books)

 

 この夏、部屋のすぐ手に取れるところに置いて、フレッシュになりたいときに読んでいます。美容本らしくない美容本。おすすめです。

 

「美容は自尊心の筋トレ」。

確か、おさ旦那さんがなにかの雑誌に寄稿していた連載のタイトルもこれだった気がするのですが、数年前にこの言葉を聞いて(実際には「見て」)以来、自尊心を鍛えることが自分のさまざまな悩みの解決につながるのかも?と思い、これをたくましくすることが日々のテーマとなりました。

 

さて、先日、仕事で(写真学科の助手という仕事をしてます)写真家ダイアン・アーバス(Diane Arbus)のオリジナルプリント(本人が撮影し、印画紙に焼き付けたとされる写真※オリジナルプリントの定義に深く立ち入るのはここではやめておきます)を見る機会があり、ふと、彼女の写真と自尊心について考えたので、ここに書いておきます。

 

ダイアン・アーバスという人については、ググったら出てきた上から2つをまず貼っておきます。

ja.wikipedia.org

 

www.artpedia.jp

 

ざっとまとめると、アメリカの写真家で、いまでいうところのLGBTQとか、身体障害者知的障害者などのいわゆるマイノリティ、あとは双子やヌーディストキャンプ、あるいは単に道端で出会った人々など・・・を撮影しています。(彼らは「フリークス」と呼ばれる。)

 

ダイアン・アーバスは、日本では篠山紀信!とかロバート・キャパ!ほどポピュラーではないけれども、写真を勉強していると、そのうち必ず出会う重要な写真家のひとりであることは間違いありません。

ここに彼女が撮影した作品のなかから、代表的なものを数枚紹介します。

 

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なんでこの写真が写真史において重要だとされているかというと、様々に理由はありますが、「同じ人間のいるところでありながら未開だった領域」に踏み込んだたくましさと、そして、その画(え)がマジ強え。ということではないでしょうか。

強え、っていうとちょっとあほっぽいけど(でも写真はある意味こういう、ちょっとヤンキーっぽい、やべぇ、強え、的感性に支えられているジャンルという気がする)。

 

他の写真家の作品にもマイノリティの人々を撮影した写真はたくさんあるけど、後にも先にもこの瞬間しかなかったんだと思える奇跡のような表情(めっちゃ感情的でもなく、劇的ってわけでもない)を切り取っていること、これが彼女の写真の特徴だと思います。 

で、彼女自身はというと、

 

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こんなかんじの女性。ちょっと傾けた首がかわいらしいけどちょっとダウナー。

彼女自身のストーリーは「毛皮のポートレイト」という映画にもなっていますが、わたしは見てません(レビューを見てちょっと警戒してる)。伝記(なの?あれは)も読んでません。

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さて、上記のwikiのリンクを読んでもらった人にはお分かりでしょうが、彼女は48歳で自ら命を絶っています。このことが、彼女をより一層、謎めいた伝説的な写真家にしています。

彼女の撮影の方法については、意地悪だとか、冷徹だとか、シュールなどと言われることが多く、さらに被写体に彼女が向けたまなざしと、被写体から彼女に向けられたまなざしの生々しさについてもよく語られています。

あと、「フリークス」を撮るという行為は、同時に(架空の)境界の向こう側に踏み込もうとする行為であって、その試みによって心を病んだ、とかもよく聞く話。(少なくともわたしはそんな風に習った。)

ユリイカ 1993年 10月 特集 ※ ダイアン・アーバス 聖なるフリークス●徹底討論 荒木 経惟 / 伊藤 俊治

ユリイカ 1993年 10月 特集 ※ ダイアン・アーバス 聖なるフリークス●徹底討論 荒木 経惟 / 伊藤 俊治

 

とはいえ、彼女は「フリークス」だけを撮っているわけではなかったので、こうした彼女への理解についてはやや疑問を持ちつつも、彼女の写真が好きでした。
 

でも、ある日、彼女のオリジナルプリントを見ていて、おさ旦那さんの、「美容は自尊心の筋トレ」という言葉と写真が、わたしのなかで、若干アクロバティックではありますがピピーンとつながって、彼女の写真は「こちら-あちら」みたいなことではないんじゃないか、という気がしました。

つまり、彼女の写真において一貫しているテーマはもしかして「自尊心」だったんじゃないか?ということ。

 

彼女が撮影する被写体の姿には、自尊心がビンビンにみなぎっているように、わたしには見えるのです。

それは、「ひこうき雲」でユーミンが歌ったみたいな「他の人にはわからない」孤高の自尊心。

この写真で被写体に向けられた目線を「意地悪だ」というのは【彼らのようなひとたちが自己を肯定して生きているということをさげすむ視点】なのではないかという気さえしてくる。アーバスの写真の被写体はみんな、誰かに認められるかどうかではなく、ただ、彼ら自身の世界で自己を肯定している。

そこに、こっちとか、あっちとかはないし、境界線を引くという差別に彼女が加担したとも考えにくい。

 

つまり、彼女は彼らへの憧れ(というとややヘルシーすぎるかもしれないけど)を持って彼らを撮影していたんじゃないかなと思ったのです。

真に自らを、そして生を、尊いと思う心を、彼女は被写体に見出していたのではないかと。

 

となると、ダイアン・アーバスが写真を通して行っていたのはまさに「自尊心の筋トレ」?・・という気もしてくるわけですが、そのときこの「自尊心」というやつは非常に厄介です。

 

わたしも自尊心向上をテーマに戦っていると書いたように、自尊心を鍛えるのって、ある種類の人間にとってはめちゃ難しい。

自分がいつも不完全で、あらゆる役割において「失格」で、無価値に思えちゃうような心の風邪は、いつも自尊心が弱ったところにウイルスが入り込むことによって誰でもかかりうるもの。ときにその風邪が重篤な病になっちゃうことだってある。

つまり非常にセンシティブな部位であって、だからこそ、そこを鍛えるトレーニングが必要なんだろうけど、彼女の精神にとっては、トレーニング方法がややハードすぎたのかもしれないなって思います。

仕事の問題に加えて、家庭の問題なども抱えていたようだし...その環境が彼女にとっていかに過酷だったかは、今となっては知ることができないけど。

輝くような自尊心を前に、自分という存在を尊く思えない。

写真を通して自尊心の高低を行き来していれば、気圧で精神がめちゃくちゃになりそうです。

 

彼女が生きた時代におさ旦那さんの本はなかったし、いまより様々なレベルで「こうあるべき」という要求は、女性にも男性にも突きつけられていたのではないかと思う。

とはいえ、いまも、『美容は自尊心の筋トレ』のなかに書かれるような、自尊心の危機は、社会に、特に女性に根強く蔓延しています。

 

でも、ダイアン・アーバスの写真が自尊心とつながったいま、自分をかけがえない存在だと思うトレーニングが、彼女の写真を通してできるようになった気がする。わたしは、ですけど。。。まだまだわたしにとってもめちゃ難しいですけど。。。。

 

ダイアン・アーバスの写真集で、わたしが持ってるのは多分これ。

Diane Arbus: An Aperture Monograph: Fortieth-Anniversary Edition

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 4000円しないくらいで、写真集のなかだと比較的お安く買えると思うので、写真に興味があるけどなにから手を出せばいいかわかんないっていう人にもおすすめです!

 

ではまた!

 

うっかりグッとくる吐きそうな映画を見て、戦争をやだなと思いました。ー映画『ダンケルク』IMAX上映について。

 

新しくなった池袋のサンシャインシネマ改め、「グランドシネマサンシャイン」の特別企画?(なのかな)クリストファー・ノーランの『ダンケルク』(2017年公開)のIMAX上映があったので見てきました。(いまさら)

 


映画『ダンケルク』予告1【HD】2017年9月9日(土)公開

 

そもそもわたしはノーランが好きなんですが、(あと1Dのハリーも好き)今回のダンケルクは、前のほうの席だったこともあって、IMAXの没入感はいままでのIMAX体験のなかでも特別で、感激しました。

ノーラ〜ン!やられたぜ〜!

 

4DXじゃないから、席が揺れたりしたわけじゃないけど、上映後は足と頭がふらふらするほど。(途中何回か目をつぶったりもした)

普通に吐きそう(いい意味で)だし、まじで嫌でした(いい意味で)。

血が流れていないとか、ダイナモ作戦がそもそもプロパガンダだとか、この映画も史実と異なる部分がある・・・みたいなリアル歴史ストーリーとしての楽しみ方をする映画ではないし、第二次大戦下のヨーロッパの戦争の駆け引きを楽しむものでもなければ、チャーチルの偉業とかを称えるものでもない。

戦争におけるヒーローを賛美するお話でもないから、2時間弱をひたすら耐えるみたいな、耐久レース感のある映像ってかんじ。

途中でご褒美的に感動的な盛り上がりが用意されてるのには、おあずけされまくってる観客のわたしたちはついガッと食いついて、さもずっと物語があったみたいにうっかりグッときちゃうけど、実際は、フィジカルに訴える緊張の強弱の波を起こしているびっくりハラハラ系のサスペンス戦争映画です。

一応ストーリーはあるけど、文学よりは音楽に近いかも。

あと国語よりは体育に近かった気がします。

 

さて、この映画には、女性がほとんど出てきません。カメラが女性をクローズアップすることはなくて、そらそーよな、戦争だし、と思いながら戦時下のわたしたちの権利のことを考えました。

 


映画『ダンケルク』アナウンス予告2【HD】2017年9月9日(土)公開

 

夏になると嫌でもわたしは戦争のこと考えちゃうんだけど、つぎ、もし戦争になったとしても、兵士として戦闘しにいくのは多分男性ですよね。

よっっっっっぽど劣勢にならないと、女性は後方支援ってかんじだと思う。核兵器が世界各地で一挙に落とされて一瞬で地球終了ってかんじならそんなこと考えなくて済むけどさ。

そうなったら、命をかけて国を守ってくれるのは男性"様"になるのだろうから、そのときわたしたち女など、口がなくなったも同然だろうとぼんやり思ったのです。

国を守る「能力を持つ」男性に比べたら当然、「守られる」ものになる女性の発言は軽んじられるだろうし、そもそも発言もできないかも。そこで「女性の権利が」なんて言いようもんなら、男女問わず吹き矢が飛んでくるのかもしれません。

それから、知性もなくなるかも。

現状よりも"仕方ない"が蔓延して、小さな思考停止が折り重なって、気づいたら、本当になにもかも「終わってる」状態になっていたりもしそうです。

 

実際この映画で、女性は「毛布あるわよー」「紅茶あるわよー」「進んでー」くらいしか言ってない(その点を批判する気は少しもない)。実際そうなんだろうと思う。それが一番役に立ってるんだと思う。わたしも役に立ちたいと思っちゃいそうです。

でも、こうした従軍に志願する女性は、「女性的な」役割を進んで引き受けるという意味で、すっごく名誉男性的。

名誉男性については↓この記事とかがわかりやすいかな。

女性の本当の敵は、実は「名誉男性」かもしれない(こかじ さら) | 現代ビジネス | 講談社(1/3) 

いわゆる「男尊女卑の価値観を内面化した女」のことを言う。)

戦争になったとき、名誉男性的な女を目指さないでいられるでしょうか。

いますでに、名誉男性的な、現状の世の中にフィットする価値観を磨いてきちゃった部分がある自分のことを、ときどき苦しく思う。ツイッターみながら、あ、そうかそれは性差別なのか、と知って「慌てて」怒ったり。自分の性差別意識の未熟さを感じるとき、自分のなかに醸造されてしまったものの頑丈さにビビります。

だから戦争になったとき、率先して黙ってしまいそうな気がする。

この映画を見て爆撃のリアルな音に震えながら、戦争になったときのことを考えたとき、誰かの役に立ちたいとか、あるいは生きたいとか、そういう気持ちはわたしの口と頭を機能停止にするんじゃないかと、実感を持って思ったのです。

 

実地に戦いに行く男性に敬意を払ったとき、黙らずに戦争を批判していられるのか。男性と同等の権利や自由を、性暴力から逃れる正しさを、女性として主張し、守っていけるのか。

戦時下だろうと理由はどうあれ人殺しは最悪!って思ってるけど、そんなこと唱え続けていけるのか。。。

そのとき性差別の撤廃なんて贅沢すぎる要求かもしれない・・とすでにちょっと絶望しつつ思います。従軍慰安婦のことも、自分ごととして考えます。

戦争のもとでは、弱者の、あるいは能力のない者の権利は主張できなくなる。

死ぬこと、傷つくこと、狂うこと、そういう戦争の悲惨についてはこれまでも思いをめぐらせてきたけど、なんらかの権利を主張する権利が奪われることの怖さを、新たに感じています。

 

つらつらと書いてきたけど、つまり、ひとことでいうと、『ダンケルク』を見て戦争を心底嫌だと思った、というお話でした。

 

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未見の人はできればIMAXで見るのがおすすめですが、とっくに上映終わってるんで、仕方ないからとりあえずイヤホンorヘッドホン爆音気味で見るのがよいかと思います。

 

英国王のスピーチウィンストン・チャーチル(THE DARKEST HOUR)→ダンケルク

の順番で見るのがわたしのおすすめ。

 

あと、グランドシネマサンシャイン、廊下にいわゆる名作的な映画の上映時のポスターがたくさん貼ってあってときめいた!!

12階のラウンジもIMAXの壁(?)すごかったです。またいきたいです。

 

 ではまた!

シロアリになりたい ー 会田誠らを講師に招いた京都造形芸術大学への訴訟について思ったこと

 

こんにちは。

 

つい先日、会田誠鷹野隆大をゲスト講師として招待した講座を受講した女性が、その講座でセクハラを受けたとして大学を提訴したというニュースが話題になりましたね。

news.livedoor.com


この件は、大学が講座をセクハラだと認めた上で同窓会の参加や大学の出入りを禁じたという対応をめぐっての訴訟で、訴えを起こした女性は、「アートかわいせつかの議論にはしたくない」「芸術論になってしまうのは避けたい」という趣旨のことをおっしゃってる模様。

といいつつも、彼女がアーティストの作品や態度を批判しているのを見ると、「アートかわいせつか」という論点というより、わたしはやはり芸術の生存に関する議論と完全に切り離すことは難しいのではないか、と思ってしまいます。

 

このニュースについて、主にTwitter上では「これは単なる大学への訴訟!芸術論に持ち込むな!」という意見と、原告の女性に対して「お気持ち当たり屋迷惑マジ帰って」という意見と、「『当たり屋』って言ってるアート関係者高飛車すぎ」という大きく分けて3つの意見が見られました。このような意見の対立を見ると、今回のニュースはリトマス紙のように、アートに向き合うときの考え方や立場の違いをあらわにしているような気がします。

 

わたしは芸術系の大学で「助手」という仕事をしているので、あの講座を私の所属先でひらいたとしたら、原告のあの女性ではないにしても、こうした意見にいちばんはじめに対応しなくてはなりません、たぶん。

あとあと偉い人が対応するんだとしても、初動として自分の対応を想像して、そうなったら、どうしよう・・・?なんていったらいいのかな・・・と不安になりました。


当然、わたしはおおごとにはしたくないと思って対応しちゃうだろうし、アーティストを講師として招いている以上、招いた側はセクハラを認めるわけにはいかないはずです。
だから多分、わたしは咄嗟に「あのアーティストはああいう作風なんだよ、戦略的にこういう作風をとっていて、本意ではこういう意味があって、あなたやわたしのような女性を傷つける意図はなかったんだよ」と伝えるような気がします。


でもわたしがこんな風に言えるのは、会田誠を知っていて、(しかも好き)、鷹野隆大を知っているからです。だから「ああいう作風なんだよ」という説明は、もろにTwitterで批判されていた「高飛車アート関係者」の態度そのもので、学生に対し、「あなたは勉強不足」と伝えることになってしまうし、そこには、そんなつもりがなかったとしても、うっすらと「黙れ」というメッセージが含まれてしまうかもしれません。


じっさい、高圧的で、不親切で、身内ネタな現代アートの世界は確かに、多くのひとにとって、「わからない」ものですよね。わたしもわかんねーってよく思う。

そして、アート業界が「わかるひとにはわかるんだからいいじゃないか」という論理がどんより漂う一見さんお断りの業界になってしまっているのも現状です。高く分厚い頑丈な壁の向こうでは、壁のなかにのみ通じる言語があるというわけで、素人がなにか言うと、壁の中からヤリが飛んでくることもあったりしちゃう。


ですが、村上隆が芸術起業論などでしきりに主張しているように、実際に、現代アートは、美術の歴史や文脈に沿ってその作品にオンリーな概念をさずけ、それをプレゼンする営みであって、観客がそのロジックの妙を鑑賞するという仕組みで成り立っています。

 

芸術起業論 (幻冬舎文庫)

芸術起業論 (幻冬舎文庫)

 

 

つまり、現代アートをなんの前知識もなく見に行く行為は、3Dの映画を3Dメガネなしに見にいくのと同じようなもの。

ですから、その作品を見るための3Dメガネ=美術に関する歴史や文脈やルール、あるいは、その作家に関する知識が必要です。


今回のニュースは、そもそもこうした前提が浸透していないなかで、「現代アート」を強固な壁のなかで守ってきてしまったアートエリートに、生理的・感情的な嫌悪感が激突し、さらに、大学側の対応の不足が重なってしまった大きめの玉突き事故という感じ。

 
もしかすると、大学の公開講座は、この強固な壁のなかに、なるべく人を招待する機会になりえたかもしれませんし、実際に、多くのことを学んだひともいたはずです。

そういう場で起こったこのトラブルが、これまで作り上げてきてしまった「壁」の強固さをあらわにしてしまったのは皮肉だし、棲み分けや警告が足りなかったのでは?という指摘も全うです。だってゴキブリを見て気絶しちゃう人がいるんだから、それが美術作品であっても、それが誰かを気絶させるものになることだってあって当然。今回の原告の女性のように絵画にトラウマを抱えてしまう人もいることでしょう。


だけど少なくとも、ある美術作品について「倒れるほどではないけどわけわからん」とか感じる人が3Dメガネをゲットして作品を見るためには、やはり手間ですが、少しの「学び」は必要かもしれないとは思います。現状。

それは、アートギョーカイの壁があまりにも強固で、あさま山荘事件みたいに鉄球でドーン!と一撃かまして風穴が空くわけではないから。

物理的な壁よりも、目に見えない壁のほうが分厚いのかも?  

 

全く良いと思えないようなものが芸術として認められている現状や、芸術が人を傷つける可能性、人を傷つけるかもしれない表現がその作品や作者にとってどのように必要だったのか……など、トラウマ的な作品に出会った時に考えられることは、たくさんあります。芸術系の大学の対応として、こうしたことを考えることを教えることはできなかったのでしょうか。

また「よく知らないけどこの作品嫌い」という意見が出ることもちろんあります。(そういう意見を認められないことが、アート関係者が作ってしまった壁の原材料でしょうが、)その嫌悪感が訴訟にまで至る状況は稀だし、極めて残念です。 


正直わたしは、彼女の”お気持ち”は訴訟の内容(つまり弁護士の戦略)と全く重なるものではないと思っています。ちょっとおかしいって思う。

でもその主張によって、偶然こうしたアートをめぐる断絶があきらかになったことだけは、悪いことではない気がしています。

壁がどんどん分厚くなってなかの人を押しつぶしたり、なかにいる人が外と関わることなく死んでいってみんなゆっくり着実に滅びる未来をうっすら見せてくれたきもします。

 
だから、現状、とりあえず、一旦、いまのところは、「芸術は全員にとって心地よいものではなくて、よく見るためには知らなきゃいけないことがある」ということがシェアされた状況をめざすために、シロアリみたいに、壁を少しずつ食いちぎって壊していく必要がありそうです。

自分の職業として、彼女に対応することを想像するとき、自分がどうするべきか考えることが誠実にこの問題に向き合うことかなといまは感じています。

 

あと、シロアリになりたい。

 

・・・ではまた!

【お知らせ】寄稿と連載について

 

こんにちは!

 

ご無沙汰しております。ブログ全然更新しとらんやないかいとのつっこみを各方面からいただきましたので、今日は2つお知らせをします。

 

1. 写真誌「FOUR-D」2号に寄稿しました。

もう11月に発売されたものなんでだいぶ結構かなり前で申し訳ないんですけど、

「写真的排外主義『フォトウヨ』とこれからの写真」というタイトルのエッセイを書いています。

「xxは写真ではない」

「xxこそが写真である」

という不毛な言い合いが、写真という表現を衰退させていく、という話をしています。

 

iiii-d.stores.jp

↑こちらから購入できます。

 

 

 

2.連載「現代アートは本当にわからないのか?」が始まりました。

2月3日に、幻冬舎plusにて、現代アートに関する連載がはじまりました。

いま見にいける現代アートを紹介する連載です。

www.gentosha.jp

 

これまでもぼんやり、そしてずっと思ってきたのは、もうすこーし現代アートをポップに楽しめないのか?ということでした。

 

わたしはいまもジャニーズが好き(特にV6とSexy Zone)だし、モーニング娘。が大好きでした(黄金期)。

ビヨンセとかケイティー・ペリーが好きだし、ヴィクトリア・シークレットのショーもつい楽しく見ちゃう。いまはトロイ・シヴァンにハマってます。

ジブリも好きだし、スター・ウォーズは最近好きになって、ディズニーも好きです。

ルミネでよく服買ってます。月1でネイルサロン行く。あとラーメンも好き。

つまり、ポップなものが大好きで、ミーハーなのです。

 

だけど、そんな私は、「わけわかんないもの」の代名詞となりつつある「現代アート」も大好きです。

 

だから、こんなにポップで軽薄でミーハーなわたしでも現代アートを好きになれたんだから、もう少しみんな気軽に「現代アート」を楽しめるんじゃないかしら、と思っています。

 

ですが、現代アートには部外者立ち入り禁止感があるのも否めません。

専門家がツイッター上で展覧会や作品の批判してるのめっちゃ怖いし、誤読したら怒られそうだし、解釈間違えるの恥ずかしいからやだし。てかあいつら何言ってっかわかんねーし。

 

とてもよくわかります。

だけど、現代アートは確かに、前提知識や文脈を知ってからこそ楽しめるものであるのも事実なのです。

だから丸腰でつっこむと痛い目に合うこともあります。

そういう痛い目にあった経験が「現代アート」という言葉に「わけわかんないもの」という意味を与えてしまっているのかもしれません。

 

だからわたしは、部外者立ち入り禁止の中に、首をつっこみ、ふむふむこんなことが起きてるのねーということを、「部外者」と感じているみなさんへ伝えられたらいいなと思っています。

だってわたしみたいな、ポップ大好きミーハーアラサー女子でも楽しめるんだから。

 

 

初回は、原美術館で展示されているソフィ・カルの「限局性激痛」について。

 

www.gentosha.jp

 

この作品は、難しいところがまったくない、入り口にはとてもふさわしいアートという気がするから本当におすすめ。

こちらの作品は以前にもブログで記事にしてますので合わせて御覧いただければと思います。

 

yzgz.hatenablog.com

 

さて、こんな感じでぼちぼち書いていきますので、よろしければチェックしてください。

このブログも、のんびり続けていくつもりです。やっぱホーム感あるしね。

 

お仕事もお受けいたしますので、ご依頼は

yzpiiiiiiya(あっとまーく)gmail.com

まで(あっとまーく)を@に変えてご連絡ください。

 

ではまた!

現代写真「ゆらぎ」の潮流  ー 浅間国際フォトフェスティバルについて

 

こんにちは。

夏終わりましたね。

 

フジファブリックの夏の終わりの例の曲をカーステレオから流しつつ、DEATH★DRIVEブッ飛ばして浅間国際フォトフェスティバルへいってきました!

 

f:id:yzgz:20180919081416j:plain 水谷吉法がドーン!

 

長野県御代田町に新しくできる写真美術館のスタートアップイベントだったようで、今年が第1回。

 

出展アーティストは、かなりホットなラインナップで、まさに「いま(主催のアマナが発行する写真雑誌はIMAといいます)」のタイミングで見たい人たちの作品を一挙に見ることができます。

しかもタダ。タダうぇーい!

わたし個人としても、ルーカス・ブレイロック、横田大輔、小山泰介、小林健太は修士論文でも扱った写真家(アーティスト)なので、とても楽しみにしていました。

f:id:yzgz:20180919081331j:plain 小林健太いい〜〜!

 

 

さて、今回、いいな、と思ったポイントは、美術館の入り口にあった今回のフェスティバル全体を総括するようなマニフェスト的文章。

 

せっかくなので、さっそく引用させてもらいます。

 

カメラに帰れ 

Return to Camera

(略)このフェスティバルをナビゲートする一つの方法は、それぞれのケースにおける「写真的行為」を検証することです。ある時は、写真を作るのにカメラを使わないこともあります。もしくは、ストレートなストリートスナップで構成されていることあるのです。(略)

 この「写真的行為」の検証という部分、とてもいいな、と思いました。

わたしにとって写真のおもしろみは、この「写真的行為」の複雑さ、広さ、多様性(と、同時にある制約)にあるからです。

 

例えば、カメラを使うこと、暗室で作業すること、photoshopを使うこと、(人が撮った)写真を使うこと、指標的性質前回のブログ参照、写真用紙にプリントすること、写真史に配慮すること、などなどなど、「写真」と呼ばれる作品は、このような様々な手法で作られている場合があります。逆にいうと、このなかのどれかひとつを満たしているだけで「写真」とみなされている作品もあるということ。

 

なので、

「じゃあその、「写真」を「写真」にする「写真的行為」って、どんなものがあるだろう?」「この作品はこの点で「写真」って言えるかも?」「あれ、もしかして「写真的行為」って時代によって変わる?」etc...

なあんてことを考えるのが、今回のフェスティバルで見られるような新しい写真を見ることの楽しみではないでしょうか。

 

例えば、今回出展している石橋英之は(実は大学のゼミの先輩!)、絵(写真)はがきを複写し、デジタルデータにしてコラージュする「写真」を作っているアーティストで、自分で写真を撮ることはありません。

 

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 つい、「写真家」は「シャッターを押す人」とイコールに考えられがちです。そうなると、石橋英之は写真家ではないのでは?なんて思われることにもなります。

だけど、ここで、この作品の「写真的行為」を考えることが、この作品を写真フェスティバルのなかで見ることの意義になるし、「写真家」の多様なあり方を示してくれます。

 

たとえば、この作品のなかに「写真的行為」をさがすと、まず、コラージュするアイテムの選択があげられます。シャッターを押す場所を選択する、のと、どの写真を使うか選択する、のは、世界の一部分を切り取るという意味で写真的な行為な気がするし、当然、複写は写真的行為です。

それから、フォトショップなどの写真用ソフトウェアを使うことはいまや写真に欠かせないプロセスですから、ソフトウェアの使用も写真的行為といえそうです。

 

このように、被写体と向かい合う撮影の時間を重要視しなくても写真家であろうとすることは可能なのです。(本人が写真家という肩書にこだわっているかどうかは別にしてだけど。)

 

今回出展している写真家はほんとうにみんないまをときめいてます。

彼らの作品は、わたしたちが「写真」だと思っているものの観念が揺らがせてくれます。この「ゆらぎ」の感覚こそ、世界の現代写真の潮流なのですね。

 

 

さて、ここまで「これはどう写真か?」という問いを持って写真を見る「写真的行為」について思いを寄せる鑑賞方法についてお話ししてきましたが、今回の写真フェスティバルのなかで、気になってしまったのが展示方法。 

正直ノイズになっていたものもありました。

特に、写真家と建築家とのコラボレーションワークは、マジはてなワールド。。。。エンドレスなんで?????状態でした。

 

たとえば、モルテン・ランゲ(モーテン・ラング?)の「Citizen」。鳩のポートレートのシリーズです。

Mårten Lange(works より「Citizen」をご覧ください)

 

都市に住み着いて、ひとびとをうっとおしがらせる鳩ですが、顔に着目して撮影(=ポートレート)すると、個体差が際立って、ああ彼らも市民なのだ、と気づきを与えてくれる、いい写真だと思います。

普段は病気持ってるから近づいちゃだめ!とか言われてよく見ないけど首のまわりふわふわそう〜〜〜気持ちよさそ〜〜〜クルッポー☆って感じ。

 

展示の様子はこちら。

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鳩見えます?

会期も終わりに近づいてきてしまって、紙がねじれちゃったりしてるのでしょうか。。。

 

好意的に解釈して、鳩を都市から森へうつしてあげて馴染ませる、とか言えるのかもしれないけど、もはや鳩かどうかも微妙だし、ポートレートとしての写真の役割を果たすことができる展示方法ではないですよね。 

森美術館レアンドロ・エルリッヒ展がそうであったように、インスタ映えはいまや展覧会の集客手段になりつつありますし、それでお客さんが来るならそれはいいことだと思っていますが、じゃあこれ映(ば)えるか?っていってもまあ映えないし。

誰得?写真にとっても、写真家にとっても、そしてフェスティバルにとっても、鑑賞者にとっても、よい作用があるとは思えません。。。

 

同じことが、こっちの鳥にも。

www.lukestephenson.com

 

ルーク・ステファンソンの「A Incomplete Dictionary Of Show Birds」は、タイポロジーの手法(似たもの・同じ名前を持つのものを集める方法)で観賞用のショウ・バードを撮影しています。

その展示方法がこちら。

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 紙を筒状に垂らして展示されているのですが、中に入って見たのが2枚目。

先程のモルテンの鳩と同じように鳥が八つ裂き状態!!キャーーー!

 

「この筒のなかに入ると、鑑賞者が鳥かごのなかに入ってしまい、逆に鳥ににらまれている気がするでしょ?

というのが、この展示方法の意図ではあるようですが、結局、像がはっきりと見えないから、うん、八つ裂きの鳥っすね。って感じだし、ぶっちゃけ八つ裂きどころじゃない。

どちらの作品も、図録を見たら実際の展示風景じゃなくて「画像はイメージです」(深い)的なCGだったから、やってみたけど、あんまりうまくいかなかったってことでしょうか。。。

 

「写真的行為」の検証という導きの、ノイズになるような展示方法は、ただでさえ「写真なの?」という困惑を招く今回の気鋭の写真展において、鑑賞者を袋小路のはてなワールドにいざなってしまいます。

ここはどこ?わたしはだれ?しゃしんってなに?ってなっちゃう。

 

たとえば、小山健輔の作品は展示方法まで含めて作品ですから、あの展示方法と作品は切り離せないものです。

 

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だけど先に書いた石橋英之の作品も風になびいていて、じっくり見るのが難しかったし、ひらひらすることで浅間山とコラボレーションしてるって意味なんだとしても、ちょっと内容と展示が少し遠い気がしました。

こんな感じで、このフェスティバルでは「展示方法と作品を切り離せないタイプの写真」と、「展示方法と作品の結びつきが薄いタイプの写真」が混濁しています。

はてなトラップ。危ないぜ!

 

ですので、これから見に行く方は、思考が迷子になったら展示方法と作品を切り離して考えてみてもいいのかも。

 

とはいえ、世界基準の現代写真を日本でまとめて展示で見ることができる機会はなかなか少ないのが現状ですから、この浅間国際フォトフェスティバルが毎年開催されるようになったら、それはすごくうれしいですし、新しい写真美術館とても楽しみです。

 

会期も残りわずかですが、いま見る価値のある写真家ばかりですので、初秋のドライブがてら、行ってみてはいかがでしょう。タダだもん!

ここまで書いてきたこと以外にも、たくさんのトピックがあって、見ると話したくなる展示であること間違いなしです。

野外展示も多いので、おしゃべりしながら見れるしね!

 

asamaphotofes.jp

 

9月30日まで。ぜひでーす!

てか、ホンマタカシは手ぇぬきすぎじゃない?そんなことない?

あと、全然関係ないけど、新潮45が超むかつく。 

 

ではまた!

ロザリンド・クラウスの「指標論」を噛み砕く。 withゴードン・マッタ=クラーク展

 

「指標論」て何それ?的でもあり、いまさらどーした?的でもあると思いますが、今回はロザリンド・クラウスの「指標論」をボリボリ噛み砕こうと思います!

 

さて、ロザ…?クラ…?ゴードン……クラ……ってタイトルだけでどっちもだれや!状態かもしれませんね。

 

まず、ロザリンド・クラウスアメリカの美術批評家。

 

f:id:yzgz:20180724075413j:plain おしゃまんべです。

 

クラウスは、ポストモダニズムの現代美術の時代の中心的な存在で、現在76歳です。

ブログタイトルの「指標(インデックス)論」も彼女が書いたもので、そのなかで言及されているアーティスト、ゴードン・マッタ=クラークの展覧会が、灼熱地獄の東京・国立近代美術館で開催中です!

 

f:id:yzgz:20180724080141j:plainGMC 31歳。

 

今回のブログでは、クラウスの「指標論」を通して、国立近代美術館で開催中のゴードン・マッタ=クラーク(以下GMC)の展覧会について考えながら、「指標論」を噛み砕いていきたいと思っています。

 

クラウスの「指標論」は通称「インデックス論」と呼ばれる論文です。

 

この「指標論」、70年代の抽象芸術について論じているのですが、同時にとても重要な「写真論」であるとも言えます。

 

ちなみに「指標論」にはパート1とパート2があり、GMCについての言及があるのはパート2。そして私がGMCについて知ったのも、まさに「指標論」を読んだのがきっかけ。

 

さて「指標論パート2」冒頭でクラウスはこんなことを言っています。

大人女子会風のクラウス。(のイメージ。)

写真と抽象絵画って、めっちゃかけ離れてるように思えるけど、最近の、つっても1970年代の抽象芸術についてはそうでもないって感じがする。実際、最近の抽象芸術は、かなり写真的だよね〜。抽象絵画って写実的なものバイバーイ的なムードでめっちゃ流行ったけど、逆に、最近は抽象芸術が写真の機能とかちょー意識してきてる気がする。

こんな感じで話されたら「わかるー」って言いたいところだけど、あんまりしっくり来ませんね。

じゃあクラウスの言う「写真的」ってなんなんでしょう?

 

ここで、さっきからなんどか繰り返されてきた「指標」という言葉に着目します。

「指標」とは、ある対象(もの)を表す記号や方法を分類したときのひとつのグループの名前です。

記号は、指標を含めて3つに分けることができ、他に「イコン(類像)」と「シンボル(象徴)」があります。

例えば、「タイヤ」をあらわす記号の3分類を見てみましょう。

 

タイヤのイコンはタイヤと「類似性がある記号」で、

これとか、 f:id:yzgz:20180724090438j:image

f:id:yzgz:20180724090442g:imageこれとか。

こんなの。f:id:yzgz:20180724090450p:image

このように、イコンのわかりやすい例は絵です。つまり、本物の対象に「類似している」記号なのです。

 

つぎにシンボル(象徴)。

タイヤのシンボルは「タイヤ」であり「たいや」であり「tire」であり「إطار العجلة」であり「សំបកកង់」です。

私たちはあの、乗り物の下についている、丸くて、ゴムっぽい素材で、大抵は黒いアレを「タイヤ」と呼びますが、アレが「タイヤ」である、ということは、みーんなの暗黙の了解ですよね。ものの名前などは大抵、こうした暗黙の了解によります。

だから、「タイヤ」と、みんなが「タイヤ」と呼ぶ乗り物の下のアレの間には直接の結びつきはありません。

つまり、アレが「タイヤ」であることは、みんなの約束ごと。

このように、みーんなのお約束に基づく記号を、シンボルといいます。

 

さて、最後にインデックス(指標)です。

タイヤを示すインデックスは、タイヤが通った後の轍(わだち)や、道に残されたブレーキ痕などです。

他の例を出すと、根性焼き痕はタバコのインデックスで、木がわっさわっさと揺れていたらそれは風のインデックス、となります。

つまり、インデックスという記号は約束事でも類似でもない、「物理的な結びつき」がある(あった)記号。

それと、「あなた」や「わたし」「あれ」「これ」など、発話者とタイミングによって内容が変わる言葉も、なにかを実際に指差して発する言葉で、「それそのもの」を示すためにインデックスの記号に含まれます。

 

 と、ここまで3つの分類を見てきましたが、さて、写真はどこにあてはまるでしょう??

 

……Aのイコン………….か…………?

と思いきや、実はインデックス(指標)なのです!ババーーーン!

 

えー?って感じですね。写真は本物にそっくりだから、イコンっぽい感じもする。

 

ではなぜ写真がインデックスなのか。

 

「指標論」が書かれた頃、写真はフィルムで撮影するものでした。フィルムの感光性や、印画紙に焼き付ける方法は、化学反応によります。

つまり、写真とは、わたしたち人間の手によって作られた類似の記号ではなく「自然界の秩序」による「光の物理的な接触の痕跡」なのだとクラウスは言います。

だから、写真はインデックスの記号になるのですね。

そして同時に、写真が示すものは、「それ」や「これ」という言葉のように、写し出された景色を「指し示す」ものでもある。

例えば、証明写真は、写真がある人その本人を「指し示す」もの。写真はそのような指し示す特徴を持っているので、そういう意味で写真はインデックスなのです!

 

このように、クラウスが「指標論」のなかで、「写真的(本文では写真の機能的モデルなどの言い方)」としているのは、写真の「インデックス(指標)」的な特徴のこと。

つまり冒頭の女子会トークでクラウスが述べていたのは、「指標的な特徴=写真的な方法を使った抽象芸術を最近よく見ます、」ということだったのでした。

 

さて、ここでよ〜〜〜〜〜うやく、GーどんMッタCラークの登場です!!

 

GMCは、パフォーマンス・アートや建築、空間などに関心がある現代美術家です。

彼の代表的なプロジェクト、「ビルディング・カット」は文字通り、建物に切れ目をいれる作品ですが、今回の展覧会では、その写真や模型などを見ることができます。

 

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GMCの試みは、すでに建った建物を「カット」することによって、わたしたちが意識の外に置きがちな「建物そのもの」や「内と外」の関係に意識を向かわせます。

 

こちらの《スプリッティング》のプロジェクトでも、切断の痕跡がその作品の中心的な要素になっています。

 

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GMCの作品はこのように、「指し示す」という写真的な方法を使った芸術作品なのです。

 クラウスは

マッタ=クラークの作品において、切断が建物を意味するーーそれを指し示すーーことができるのは、ただ除去や切り取りというプロセスによってである。

 と述べて、GMCの作品が持つような指標性を、ぐいぐいキてる現代芸術の特徴としています。

 

例えば、少し手法は異なりますが、

《ごみの壁》、《ごみのレンガ》などのシリーズもわたしにとっては写真的。

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《ごみのレンガ》は、ガラス工場のゴミを固めた作品。

そもそも単なるごみにも指標性がある気がするけど、それをレンガとして固めること、それを作品にすることによって何層にも指標性が含まれている気がします。

 

個人的お気に入りは、《日の終わり》。

 

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この穴は、まず穴があること、そして壁があったことや、外に海があって、太陽があって、影の位置やかたちが変わることによって時間の変化や空間の広さ(そして狭さ)を「指し示し」ています。

 

また、今回の展覧会ではフォトコラージュで「ビルディング・カット」を再現する手法も多々見られます。上下左右やパース、スケールが自由に組み合わせられたコラージュは、刺激的に写真が使われていて、三半規管に訴えてくる感じが楽しかったです。

 

わたしは、今回のGMC展を見て「それがあった」ことを示す「写真的」芸術の力に驚いて、 ああそうだった!と、写真のそういう純粋な「指し示す」能力が生み出す感動を思い出したりもしました。

 

GMCの展覧会は「写真的」の観点を入れて見てみると、パフォーマンスアートや建築への問題提起だけでない面白さを感じることができるので、クラウスの「指標論」と合わせておすすめ。

「指標論」がある意味「写真論」であったように、今回のGMC展も、むしろ「写真展」なんじゃないかとさえ、思えてきちゃいます!

写真をやってる人にとっては、どこが「写真的」かを考えながらみると、逆に「写真ってなんだっけ?どういうものだっけ?」という問いも生まれてきます。それってもはや写真展より写真展かも?

 

9月までやってますので夏休みにぜひ!

 

www.momat.go.jp

 

yzgz.hatenablog.com

☝︎こちらは過去の噛み砕くシリーズです。

 

 Have a good summer vacation 〜 ☆